Nati al Satellite

27 maggio 2019

Rodolfo Agrella

Con base a New York, l’architetto e designer venezuelano Rodolfo Agrella, ha un approccio transdisciplinare alla cui base c’è la volontà di produrre oggetti capaci di trasmettere messaggi universali che toccano l’umanità per rendere migliore la nostra civiltà.

Le tue presentazioni per i tuoi clienti sono molto suggestive; sono collage artistici e narrativi. A volte questo è il linguaggio semiotico dei tuoi oggetti. Puoi parlarci del tuo processo creativo?
Sono fermamente convinto che ognuno debba esprimere il proprio linguaggio e stare lontano dalle tendenze e dalle formule dei “cookie-cutters”, anche se è importante vedere ed essere consapevole di ciò che sta accadendo nel mercato, per me è cruciale avere la mia strada per esprimermi, mi tiene con i piedi per terra. Il mio processo inizia con un’espressione grafica e/o plastica, una meditazione visiva, lì posso attingere a una fonte di energia infinita dove le idee possono essere espresse senza alcun vincolo. Dentro quello spazio metaforico tutto è possibile. Quindi, per liberare queste informazioni e trasformarle in un progetto fisico, io e il mio team iniziamo ad aggiungere variabili tecniche e materiali, esplorando i modi migliori per produrre l’idea che rimane fedele all’anima e al suo scopo.

Qual è l’obiettivo che cerchi per il tuo design?
Sto lavorando duramente per creare prodotti e idee che toccano le emozioni delle persone e migliorano il modo in cui viviamo. Il mio obiettivo ultimo è creare questo rapporto attraverso l’uso della felicità e della gioia. Il positivismo è ciò di cui abbiamo bisogno come civiltà per progettare un futuro migliore, persone migliori. Sono estremamente entusiasta di far parte di questa nuova era del Rinascimento e di essere uno sbocco per il cambiamento.

La collezione di mobili contenitori “15%” incarna lo spirito della cosiddetta diaspora bolivariana. È un invito a vedere sotto la superficie degli oggetti e dei mobili? Forse questa epoca ha bisogno di questo tipo di messaggio, che cosa ne pensi?
Assolutamente si!!! Ogni mio progetto ha più livelli di informazione, invitando sempre l’occhio curioso a vedere sotto la superficie e rivelare una storia, un approccio al design che ti connette direttamente all’anima dell’oggetto. Come tutto nella vita, c’è soprattutto un equilibrio in cui la storia, la funzione e la struttura diventano un treppiede stabile, quasi come la triade di Vitruvio. Abbiamo sicuramente bisogno di popolare il mondo con oggetti che trasmettono qualcosa, piuttosto che occupare uno spazio in modo tossico. Come designer ho gli strumenti per crearlo e comunicare qualcosa alla società, e credo che dobbiamo iniziare sensibilizzando i bambini e le nuove generazioni.

Il tuo tappeto “Memorabilia” fa parte della Collezione SaloneSatellite 20 Anni. È un omaggio all’architettura moderna della metà del secolo scorso di Caracas, Venezuela. Il tuo paese è una fonte di ispirazione per te? Perché?
Le mie radici giocano sempre un ruolo importante nel mio processo di creazione. Tutto ciò che sono, da una prospettiva visiva e fenomenologica, lo devo alle mie radici. Il modo in cui risolvo i problemi - design e vita - il modo in cui comprendo le cose, e quel luogo mentale in cui vado a trovare l’ispirazione è rappresentato dalle mie radici, dal mio paese e dalla sua gente. Ciò di cui mi sento assolutamente orgoglioso è che ho imparato a tradurre lo spirito del Venezuela in una lingua internazionale.

Hai molte e varie collaborazioni anche per identità e comunicazione visiva, merchandising, consulenza di interior design, strategia di marketing e direzione creativa. Sembra un lavoro molto impegnativo. Quante persone lavorano nel tuo studio?
È una sfida, soprattutto per una società che celebra l’ubiquità, ma mi sento molto grato di poter fare con successo una gamma così diversificata e aperta di progetti. Alla fine, “Tutto è progetto”, io e i miei collaboratori siamo aperti, disponibili e desiderosi di cancellare, confondere e spostare quei confini della disciplina, osservando attentamente tutti i dettagli tecnici. Essendo un designer con base a New York con progetti e collaborazioni in tutto il mondo, il mio team è estremamente flessibile in termini di dimensioni, si espande e si contrae in base ai progetti, ma sempre incarnato da collaboratori con quel modo organico di comprendere il design.

Ci sono personaggi particolari che hanno influenzato la tua carriera?
Ci sono più personaggi che hanno influenzato e influenzano la mia carriera. Da un punto di vista molto romantico Munari e Ponti hanno giocato un ruolo importante grazie alla loro capacità di applicare il design a più scenari e farlo con successo, il tutto con un processo molto ponderato e giocoso. Artisti come Alexander Calder, Brancusi o i venezuelani Magdalena Fernandez e Miguel Arroyo, tutti con un chiaro approccio allo spazio, alle forme e ai colori. Naturalmente ci sono i miei insegnanti all’università che mi hanno permesso di sperimentare forme sensuali e concetti bizzarri in un contesto estremamente influenzato dal Bauhaus. Ma in generale, devo tutto a entrambi i miei nonni, mi hanno insegnato a ridere, a trovare divertimento in tutto e a esprimerlo ad alta voce, sono i miei veri maestri.

In considerazione della tua esperienza puoi dare un messaggio alla nuova generazione di designer?
Sono in una costante curva di apprendimento, quindi al momento, quello di cui sono assolutamente certo, e che vorrei trasmettere alla nuova generazione di designer, è per primo: l’inerzia non genera mai energia! Essere eccessivamente congelati in un pensiero è la cosa peggiore che potrebbe accadere a un designer, quindi continua ad andare avanti. Per secondo sarebbe: “Wrong is Great!”. Gli errori sono un ottimo modo per rivelare nuovi percorsi per espandere il design e la creazione, basta abbracciarlo senza un giudizio negativo.

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